Promenade au(x) Jardins(s)…

« Si vous possédez une bibliothèque et un jardin, vous avez tout ce qu’il vous faut »

Cicéron

Imogen Cunningham, Magnolia (1960)

Dimanche dernier, j’ai passé à Paris une journée dédiée au printemps, avec le festival de Holi au Jardin d’acclimatation, puis la visite de la toute nouvelle exposition du Grand Palais… un bol d’air frais, de verdure et de couleurs qui m’a fait le plus grand bien, et que je souhaitais aujourd’hui partager avec vous!

« Jardins » est une exposition riche et ambitieuse ; à mille lieues des habituelles monographies ou des expos thématiques le plus souvent chronologiques, il s’agirait plutôt d’un espace de réflexion et de contemplation, aussi dense et foisonnant qu’une haie de troènes, mais se laissant, assez étonnamment, parcourir avec simplicité. Une promenade digestive au jardin, en toute passivité? Bien au contraire!

L’éclectisme règne en maître sur le choix des œuvres et de leur présentation. Si on retrouve avec émerveillement les « stars » du genre (comment faire l’impasse sur les Nymphéas de Monet à Giverny, ou sur les Parterres de marguerites de Caillebotte?), la peinture est loin d’être le seul support de notre voyage immobile. L’imagination vagabonde se réjouira de la présence, dès l’entrée, d’un sublime fragment d’une fresque pompéienne en trompe-l’œil, idéal vestibule, délicieux préambule… presque aussitôt suivi d’un œuvre contemporaine signée Koîchi Kurita, fascinante Bibliothèque de sols composée d’échantillons maniaquement récoltés et présentés sous forme de carrés aux teintes subtilement nuancées. Entre ancien et moderne, entre chaos et harmonie, le ton est donné, la promenade peut commencer.

Peut-on, et doit-on, dompter la nature? Quelles interactions, pour l’Homme, avec ce microcosme qu’est le jardin, à la fois support de l’imaginaire et parcelle domestiquée? Le parcours interroge, mais n’impose aucune conclusion : libre au promeneur de s’attarder, rassuré, dans une portion de nature impeccablement maîtrisée, et de goûter aux charmes d’une perspective à la française, le long d’une allée au cordeau. Mais libre à lui, tout autant, de se laisser happer par la danse hypnotique des vrilles du potiron sur une bande vidéo de 1935 ; peut-être appréciera-t-il les Fleurs de Pâques d’Ernest Quost, et leur anarchique épanouissement coloré (a fortiori, il est probable que les Acanthes de Matisse, tout en envolées de papiers découpées, imprimeront durablement sa rétine) ; et peut-être aussi s’arrêtera-t-il avec fascination devant les Texturologies de Dubuffet, qui révèlent l’essence même de la nature, l’organique et sombre humus, source d’une vie difficile à apprivoiser.

L’Homme a toujours cherché à classifier, à organiser et à répertorier la nature qu’il côtoie : les herbiers, les xylothèques (« bibliothèques de bois »), les reproductions en cire (notamment l’impressionnant « carporama » de Robillard d’Argentelle), et même en pierres précieuses (les parures de chez Van Cleef et Arpels!) sont là pour en témoigner…

Fruits en cire

Mais, parfois, il avoue son impuissance face à la beauté qu’il préfère ressentir plutôt qu’analyser. C’est alors que les chefs-d’œuvre se révèlent : Albrecht Dürer, dont le Bouquet de Violettes n’a pas pris une ride depuis le XVème siècle, Odilon Redon et sa Branche Jaune, Gerhrard Richter et son Jour d’Été… La nature elle-même se transforme, à certaines occasions, en œuvre d’art ; il n’y a qu’à admirer les Papiers de Provence de Lionel Estève ou les monticules de pollen amassés avec patience par Wolfgang Laib pour composer Les montagnes où l’on ne grimpe pas.

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L’Homme alors, s’apprête à céder la place : quel message nous adresse donc le Vieux Jardinier qui pose, frustre et épuisé, et pourtant tellement touchant de simplicité, dans l’œuvre éponyme d’Émile Claus, ses larges pieds nus solidement campés sur le sol de la terrasse? Plus loin dans l’exposition, serait-ce son descendant qui a oublié au jardin une paire de galoches? La nature déjà s’en est emparé, colonisant lacets et empeigne ; bientôt, elles auront disparu… et leur sort ne peut que nous sembler familier.

Vous l’aurez compris, voilà une exposition dont je me suis délectée. Certains lui ont reproché son côté « fouillis », et, c’est vrai, je me suis trompée deux fois de sens dans le parcours… mais qui ne s’est jamais égaré, même très momentanément, au cours d’une promenade dans la nature? Cela fait partie du charme! D’autres ont pointé du doigt le manque d’informations des cartels, et là encore, j’aurai tendance à aller dans leur sens, pour la simple et bonne raison que lorsque le sujet me plaît, il n’y a jamais assez d’explications pour satisfaire ma curiosité… ceci dit, les audioguides trouvent aussi leur raison d’être dans ces omissions volontaires.

Pour conclure cet article, petit focus sur une œuvre que j’ai adoré découvrir au sein de ce parcours d’une extrême richesse : la Grotta Azzurra de Jean-Michel Othoniel, une installation composée de miroitantes briques de verre bleu, écrin précieux d’une fontaine aux deux vasques rondes, d’où ruisselle une eau cristalline et gazouillante. Un vrai coup de cœur pour le Rat!

Grotta Azzurra

« Un jardin, à mes yeux, est un vaste tableau. Soyez peintre ».

Jacques Delille.

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Marathon parisien – épisode 3!

Suite et fin de notre escapade parisienne, avec la découverte de la merveilleuse exposition « Icônes de l’art moderne » à la Fondation Louis Vuitton! Je m’y prends un peu tard, je le sais bien, pour ce compte-rendu ; malgré une prolongation de deux semaines par rapport au planning initial, la présentation de la collection Chtchoukine s’achèvera… demain, le 5 mars! Le bilan est impressionnant : depuis son ouverture au public le 22 octobre, cette exposition unique a déjà été vue par plus d’un million de visiteurs, dont certains, surtout cette dernière semaine, n’ont pas hésité à prendre d’assaut la Fondation dès sept heures du matin (il paraît même que le petit déjeuner était offert aux courageux…). Il était donc grand temps que je vous raconte notre expérience!

Après notre visite à Hergé au Grand Palais (à lire juste ici), et un déjeuner sur le pouce, nous longeons les grilles du Jardin d’Acclimatation du bois de Boulogne, à la recherche de la Fondation. Soudain, tranchant sur les différentes nuances de vert et de marron des grilles ou des arbres qui nous entourent, un berlingot aux multiples facettes colorées se dresse à l’horizon. Rhabillée par Daniel Buren, l’architecture de Frank Gehry évoque un bouton de rose lentement effeuillé à mesure qu’il s’élève vers le ciel, ou une chrysalide qui se fendille sous l’impulsion de son occupant…

Si L’Observatoire de la Lumière, installation in situ de Daniel Buren composée de filtres colorés (qui se superposeront aux verrières jusqu’au mois d’avril), a pu déplaire aux puristes, je trouve pour ma part que l’intervention de l’artiste a sublimé le bâtiment ; les longues files de visiteurs qui serpentent au pied de la Fondation se mirent dans ses reflets changeants… oublieux, pour quelques instants au moins, de la longue attente que tous doivent subir, malgré les horaires mentionnés sur les billets achetés en ligne.

Après la queue, et une fois les sacs déposés au vestiaire, l’exploration peut commencer! Bien que la Fondation ait acquis un certain nombre d’œuvres présentées à tour de rôle ou installées à divers endroits stratégiques (on pense notamment aux commandes passées à Olafur Eliasson, Elsworth Kelly ou encore Adrian Villar Rojas, dont l’installation massive prend le frais sur la terrasse, mutant lentement au fil des aléas climatiques), ce sont bien les expositions temporaires qui font sa singularité et son succès… ou pas, puisque la Collection Chtchoukine est en fait la première à réellement faire le buzz.

À l’intérieur de l’exposition, le parcours est relativement sobre : pas de couleurs trop vives et des cartels discrets, le but étant bien de présenter les œuvres le plus justement possible… et celles-ci se suffisent largement à elles-mêmes, ô combien. Outre la chronologie du fil conducteur, les commissaires ont choisi de s’intéresser à la figure du collectionneur et mécène russe Sergueï Ivanovitch Chtchoukine, détaillant son parcours, ses relations, mais aussi et surtout ses interrogations esthétiques et artistiques. On le découvre ainsi en amateur d’art déjà éclairé, mais conscient de ne pas posséder toutes les clés nécessaires à l’interprétation des œuvres audacieuses produites par les peintres les plus avant-gardistes du temps, Picasso en tête, dont les toiles lui donnaient l’impression de « mâcher du verre pilé ».

La vidéo diffusée sur le grand mur incurvé de la salle de projection nous a laissés plus que perplexes, le Rat Prof et moi… est-ce le choix des acteurs ou celui de la mise en scène, ou bien les intermèdes dansés? Toujours est-il que nous n’avons pas adhéré au message…

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En ce qui concerne les cent trente tableaux présentés… que dire devant tant de chefs-d’œuvres, et surtout devant l’incroyable talent des maîtres rassemblés? De la beauté calme et solaire d’un jardin épanoui sous les touches délicates de Monet, à l’écho fantastique des couleurs de Matisse, en passant par les volumes aigus des nus de Picasso, le dépaysement est total, et le régal complet! Un petit bémol tout personnel, avec la conclusion de l’exposition, en accord avec la chronologie, mais moins avec mes affinités : les suprématismes et les avant-gardes russes (cela reste, encore une fois, marqué au sceau de ma propre subjectivité.). 20161212_160015Dans cette section en particulier, je dois avouer que j’ai été frappée par la complexité des cartels… dans l’ensemble de l’exposition d’ailleurs, la médiation est quasiment absente, et très discriminante lorsqu’on la découvre, puisqu’elle s’adresse de toute évidence à un public averti. On ne peut que déplorer cet état de fait auquel il aurait pourtant été très facile de remédier. Les visites guidées et l’application existent, certes, mais sont loin de suffire face aux singularités des différents publics potentiels (je pense aux enfants, à tout hasard.)… Dommage!

Je vous laisse sur un petit diaporama qui ne saurait, bien sûr, rendre toute la beauté de cette présentation unique, mais vous donnera peut-être une idée de l’expérience esthétique unique dans laquelle je me suis immergée avec bonheur.

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Et vous? Avez-vous eu la chance d’admirer cette exposition? Qu’en avez-vous pensé?

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Marathon parisien – épisode 2

Après notre coup de cœur à l’exposition « Quoi de neuf au Moyen-Age? » (à lire juste ici), des sushis pas frais (😕) et une bonne nuit de sommeil, le Rat Prof et moi sommes prêts pour une nouvelle journée de découvertes parisiennes! Au programme : Hergé au Grand Palais le matin, et la collection Chtchoukine à la fondation Louis Vuitton l’après-midi… Nous avions bien entendu réservé nos billets sur Internet quelques jours avant de partir et bien nous en a pris! L’exposition Hergé s’est remplie au fur et à mesure de notre visite ;  quant à la fondation Louis Vuitton, je vous ferai la grâce de ne pas vous dépeindre dans le détail les files de visiteurs serpentant presque jusqu’aux guérites à l’entrée du parc, dans un froid glacial!

Mais commençons par le commencement… Hergé!

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Ce nom n’évoquait pas grand-chose pour moi, à part les souvenirs d’après-midi de lecture chez mes grands-parents, au fil des pages (déjà bien cornées par mon père et ses frères) des premières éditions des aventures de Tintin. C’est donc sans a priori (et sans réelles attentes non plus, j’avoue…) que dès dix heures du matin je me suis présentée, aux côtés du Rat Prof, devant l’entrée Champs-Élysées du Grand Palais.

Première surprise : l’exposition adopte un parcours original, à rebours de la traditionnelle chronologie, ce qui permet au visiteur de se replonger dans le passé et les influences du créateur de Tintin, au fil des archives dévoilées de salle en salle. Bien entendu, le petit reporter à mèche blonde est extrêmement présent, aux côtés de ses amis de toujours, du truculent Haddock à la plantureuse Bianca Castafiore.

La personnalité et la carrière du Belge Georges Rémi, alias Hergé, sont néanmoins illustrées avec pertinence ; on le découvre d’abord en collectionneur âgé mais ouvert à la modernité et aux talents de son temps, écoutant Bowie et accrochant fièrement sur ses murs son portrait par Warhol ou les cathédrales de Lichtenstein.Portrait d'Hergé par Warhol Puis, à mesure qu’on remonte aux origines, le voici en pape de la bande dessinée, créateur des studios Hergé qui emploient dessinateurs et coloristes… contribuant chacun à leur manière à la naissance des dernières aventures de Tintin, du découpage des images à l’encrage, puis à la mise en couleur, en passant bien sûr par le crayonné qui précise les attitudes des personnages. Dans ses Entretiens avec Numa Sadoul, le dessinateur confiait à propos de cette étape cruciale : « C’est à ce stade que j’utilise toute mon énergie. Je dessine furieusement, rageusement, je gomme, je rature, je fulmine, je surcharge, je m’acharne, je jure, j’esquisse une autre attitude. Il arrive même parfois qu’à force de revenir sur une attitude, je perce le papier, tout occupé que je suis à donner le maximum d’intensité à l’expression ou au mouvement. »

Très didactique, ce passage de l’exposition illustre parfaitement le face à face entre le créateur et son œuvre, notamment grâce aux planches présentées à différentes étapes de leur réalisation. Sur le papier jauni par le temps, les corrections se remarquent d’autant plus : ici, Hergé a raturé avec véhémence le texte d’une des bulles ; là, le dessin se mouchète de correcteur opaque, qui vient masquer quelques traits visiblement mal placés. Enfin, les esquisses terminées, le blanc, extrêmement structurant, et les couleurs, posées en aplat pour une plus grande « fraîcheur » du dessin, jouent un rôle qu’on ne leur soupçonnait pas. La passion et l’énergie créatrice qui se dégagent de ces émouvantes archives sont palpables.

Quick et Flupke, Jo, Zette et Jocko (qu’Hergé n’a finalement jamais beaucoup apprécié), les années « Petit Vingtième », la belle rencontre avec Tchang, le jeune Chinois qui l’incitera à mieux connaître les civilisations qu’il dépeignait dans ses histoires… tout cela est présenté avec simplicité et pédagogie pour le plus grand plaisir du visiteur. J’ai ainsi appris, par exemple, que tous les caractères chinois insérés dans Le Lotus Bleu possédaient réellement une signification en rapport avec la scène dessinée.

Les commissaires sont parvenus, et c’est une grande réussite, à ne verser ni dans le très technique (et tout le jargon qu’il suppose), ni dans la simplification à outrance, spéciale « grand public », que je redoutais un peu. La scénographie est bien pensée, alternant entre le « décoratif » (le mur de couvertures d’albums, ou les adhésifs muraux reproduisant des scènes classiques) et la présentation plus explicative, notamment pour évoquer les jeunes années d’Hergé et les commandes qu’il a honorées pour la publicité.

L’exposition se conclue sur les premières esquisses de celui que ses camarades scouts surnommaient « Renard Curieux », et dont on réalise qu’il a toujours conçu le dessin comme un exercice de rigueur, à pratiquer consciencieusement, encore et encore, afin d’en approcher la maîtrise.

A la sortie, mon regard de Rat de Musée a vraiment changé sur ce dessinateur, dont je ne connaissais finalement que très peu la carrière en dehors de Tintin, et que j’ai été ravie de découvrir en amateur éclairé, en talentueux illustrateur publicitaire ou encore, et c’est un aspect très touchant, en « peintre du dimanche » portraiturant sa femme ou s’essayant à l’abstraction, tout en regrettant, peut-être, de ne pouvoir s’y consacrer pleinement.

« J’aime mes personnages, je crois en eux, ils existent pour moi. Il me semble que je réagirais comme eux si je me trouvais dans les situations où je les ai placés. »

Hergé

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La fresque finale, un régal.

J’avais prévu de vous résumer Hergé et Chtchoukine en un seul article, mais je me rends compte que j’ai eu les yeux plus gros que le ventre!

La suite, donc, au prochain épisode…

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Marathon parisien – épisode un.

Les jours ont beau raccourcir, les semaines semblent s’écouler au goutte à goutte en ce moment… La parade est simple : pour contrer grisaille et routine, rien de tel qu’une petite escapade culturelle! Il y a quelques jours, le Rat Prof et moi avons donc réservé une nuit d’hôtel à Paris, avec trois objectifs (culturels) en tête : l’exposition « Quoi de neuf au Moyen-Âge? » à la Cité des Sciences, la découverte de l’univers d’Hergé au Grand Palais et la présentation de la très riche collection Chtchoukine à la Fondation Louis Vuitton.

Le Rat de Musée vous invite sur ses traces, à travers trois grandes expos du moment… suivez le guide!

Épisode 1 : Quoi de neuf au Moyen-Âge?

C’est par une frisquette matinée de décembre que nous prenons le train pour la capitale… Une fois le sac posé à l’hôtel, et après un brunch très sympathique dans le parc de la Villette (je recommande « La Petite Halle ») en compagnie de mon frère et de sa compagne, nous nous dirigeons tous les quatre vers la Cité des Sciences et de l’Industrie, immense bâtiment gris semblable à un navire à quai au bord du canal Saint-Denis. Nous choisissons de faire d’abord un tour dans les différentes expositions temporaires au niveau « Explora 1 », le niveau 0 étant réservé aux enfants (j’irai faire un tour la prochaine fois, si les adultes non accompagnés sont autorisés, bien sûr!  😉 ).

Nous y découvrons notamment l’exposition « Mutations urbaines », consacrée aux villes d’hier, d’aujourd’hui, et de demain. A priori, ce n’est pas un sujet qui me passionne, mais j’ai été agréablement surprise par la disposition aérée des modules interactifs et leur intérêt, des « gated communities » aux énergies renouvelables (super « manège des salades », modélisé sur ceux de Singapour), en passant par la belle idée de la carte sensible à colorier et à faire scanner pour la recevoir chez soi.

L’exposition suivante, « Objectifs Terre », me retient moins ; mais, par curiosité, nous assistons à une séance de médiation sur le thème des incohérences scientifiques dans la science-fiction ; elle se révèle très intéressante pour les enfants et amusante pour les adultes, avec des exemples tirés des univers de Star Wars ou des comics Marvel, et  même quelques manipulations (observation des vapeurs froides dégagées par l’azote liquide, ou démonstration des effets de l’absence d’oxygène dans l’espace).

Galerie

Enfin, nous découvrons le clou de notre après-midi, l’exposition « Quoi de neuf au Moyen-Âge? », dont la présentation se répartit sur deux étages. Dès son entrée, le visiteur est guidé dans la galerie du temps, son cheminement ponctué par les dates importantes et le rappel des généalogies sur les parois.

C’est après avoir gravi quelques marches, cependant, que le cœur de l’exposition se révèle : nous découvrons un premier espace clair, tout en bois blond et sols colorés, puis d’autres « terrains de jeux » aux éclairages modulés… jusqu’au noir quasi-complet d’un espace de projection, au cœur duquel le visiteur se laisse volontiers charmer par une séquence de fabliaux remarquablement animés, et dans lesquels des personnages en toile de jute peinte apprennent à leurs dépens à ne pas se fier à leur prochain… Chaque petit conte, narré par un troubadour, est prétexte à une explication très pédagogique sur une carte animée resituant le contexte historique, géographique et culturel.

Le conteur n’est d’ailleurs pas le seul personnage que nous croiserons dans les espaces d’exposition : ici et là, en effet, de petits tréteaux de bois, sortes de castelets recréant l’environnement d’illustres aïeux, ponctuent l’espace. Dans ce décor figé, Hildegarde de Bingen ou Thomas Beckett dressent leurs silhouettes de contreplaqué, seulement animées par le visage d’un comédien, le temps d’une courte autobiographie.

Extrêmement ludiques, les modules mis à disposition des visiteurs, qui dressent un large panel des découvertes scientifiques les plus récentes sur les us et coutumes du Moyen-Âge, font la part belle aux interactions et aux manipulations : on apprend ainsi à bâtir un arc en plein cintre à l’aide de blocs de caoutchouc, à cloisonner un bijou émaillé, ou encore à jouer à la mérelle, à mi-chemin entre les dames et le morpion.

Au fil du parcours, de nombreux quizz permettent de faire le point sur les connaissances acquises. Ma préférence, parmi tous ces trésors de médiation (aussi appréciés des adultes que des enfants, comme nous avons pu le constater le jour de notre visite), revient au bac de fouilles interactif, dans lequel le visiteur est invité à pelleter le sable pour y dénicher des objets insolites ou, qui sait, de belles trouvailles archéologiques! J’ai trouvé très pertinente l’utilisation combinée d’un dispositif « en dur » et d’une projection vidéo réagissant aux interventions du visiteur, qui permet l’apport d’un contenu supplémentaire tout en autorisant la manipulation.

Le Rat Prof et moi avons beaucoup apprécié cette exposition, à la fois pour les contenus très didactiques, relativement faciles d’accès grâce à leur mise en forme très étudiée, et pour les expériences proposées au cours de la visite, dans un espace ludique, agréable, et adapté à différents types de publics. Un vrai coup de cœur!

Mise au parfum à Museomix Grasse!

Au mois de novembre 2015, je vous décrivais sur le blog ma découverte de la formidable communauté Museomix et ma participation à l’édition de Roubaix (juste ici).

Cette année, lorsque la liste des quinze lieux accueillant Museomix (entre Québec, Italie, Belgique, France et Suisse), a été rendue publique, le choix n’a pas été facile pour le Rat : tiraillée entre l’agréable perspective de retrouver la plupart des museomixeurs du Nord à Douai, et celle de faire enfin connaissance « en vrai » avec certaines personnes très inspirantes croisées sur les réseaux sociaux (qui avaient quant à elles opté pour Reims et son beau Palais du Tau), j’ai finalement choisi le grand Sud et son ciel azuré. A quelques kilomètres de cette Méditerranée qui m’est si chère, niché au cœur de l’odorante ville de Grasse, où s’épanouissent huit mois sur douze orangers et bosquets de roses, le Musée International de la Parfumerie me tendait les bras… et j’ai sauté avec bonheur sur l’occasion de découvrir à la fois une structure culturelle d’exception, une région idyllique, et des savoir-faire uniques.

La ville de Grasse

Ma participation a été acceptée au mois de juillet (la sélection, comme l’année précédente, se faisant sur profil et degré de motivation) ; mais il a fallu attendre novembre pour enfin boucler ma valise, direction le Sud.

L’aventure Museomix commence pour moi par le dépaysement ; dans le train qui traverse à grande vitesse des paysages de plus en plus vallonnés, sous un soleil de plus en plus présent, l’accent chantant de ma voisine de travée convoque des souvenirs de vacances en famille, d’odeurs de maquis et de reflets scintillants sur l’eau de la mer. À la gare d’Aix-en-Provence, je retrouve mes parents, qui m’ont fait le merveilleux cadeau de partager ces quelques jours avec moi. Nous nous voyons peu, surtout depuis mon installation en Picardie, et mon envie de museomixer le MIP de Grasse nous a paru une occasion idéale pour des retrouvailles. Le Rat Prof ayant d’autres projets, c’est donc tous les trois que nous allons découvrir la Côte d’Azur. Arrivée le mercredi soir, je profite de la journée du jeudi pour visiter la chapelle de Vence (une petite déception, mais j’y reviendrai peut-être dans un article dédié), et flâner dans les ruelles de Grasse.

Le vendredi matin, les choses sérieuses peuvent commencer : rendez-vous à 9h au Musée International de la Parfumerie pour la remise des badges, joliment découpés en forme de flacons de parfum, et attachés à des cordons dont la couleur varie en fonction de la mission de son porteur. J’hérite d’un lien noir, celui des médiateurs, chargés de faciliter les interactions entre l’usager, le musée, et le prototype créé en trois jours par les futures équipes.

Après une rapide visite des lieux (c’est grand, c’est beau, ça sent bon), rendez-vous en salle de conférence pour la première plénière. Autour des thèmes retenus (la chimie, le métier de parfumeur, l’emballage, le parfum à travers les âges ou encore l’orientation dans le musée), la réflexion collective s’engage, chacun livrant son ressenti sur le sujet via des Post-it collés à même le mur. Puis vient le moment fatidique du choix : je dépose mon badge dans le sac correspondant au métier de parfumeur, et croise les doigts bien fort pour être tirée au sort en premier! Je rejoins mes futurs collègues (maker, développeur, communicante, spécialiste contenus, graphiste et facilitatrice) pour faire connaissance et commencer le brainstorming.

La première journée s’écoule relativement vite et dans la bonne humeur : je suis aux anges de retrouver l’esprit Museomix, ce mélange d’humour potache, de travail assidu, de curiosité insatiable et de désir d’aller vers l’autre, gages d’échanges fluides et passionnants. Cerise sur le gâteau, les locaux de travail sont aérés, plutôt lumineux et compartimentés en espaces bien définis ; le Fab Lab et le Brico Lab, où nous irons nous approvisionner et chercher conseil pour construire notre prototype, mettent à notre disposition beaucoup de matériel de qualité (autant que je puisse en juger! 😉 ) ; quant à la partie catering (restauration), elle est gérée de main de maître, avec des plateaux spéciaux pour les intolérants, et des alternatives sympa pour les autres (nous sommes trois végétariennes dans l’équipe, et il y en a beaucoup parmi les autres participants… c’est donc très appréciable!).

Le pianodeursLe samedi, nous affinons notre projet : nous avons choisi de construire un « Pianodeurs », un dispositif proposant une expérience olfactive immersive ; en d’autres termes, une porte d’entrée dans l’univers fascinant du créateur de parfums, qui assemble les notes pour composer des accords plus ou moins complexes, exactement comme le ferait un compositeur inspiré. Outre la réalisation du prototype, nous effectuons un certain nombre de recherches sur les parfumeurs célèbres et leurs réalisations les plus connues, dans l’optique de proposer un contenu documentaire derrière chaque accord, en fonction des notes dominantes. Le Rat de Musée se délecte des échanges avec les parfumeuses installées dans une pièce réservée, et qui partagent leur savoir avec simplicité et passion : notes de tête, de cœur, de fond… familles hespéridées, florales, boisées ou chyprées… réminiscences olfactives, grain de peau et chaleur corporelle… C’est un nouveau monde qui s’ouvre à moi, et je m’y laisse emporter, toutes narines frémissantes.

Quant au musée, quelle richesse! Il n’est certes pas facile de s’y orienter car il est composé de plusieurs blocs que desservent des ascenseurs différents ; mais, au détour d’une salle décorée d’une fresque héritée de la Révolution, quel plaisir de découvrir le coffret de toilette de Marie-Antoinette et ses accessoires si délicats, ou, plus loin, de flâner nez au vent dans la serre spécialement aménagée au beau milieu de l’établissement, avant de plonger au sous-sol pour s’émerveiller devant l’orgue du maître parfumeur Jean Carles! Et que dire du privilège unique d’arpenter en solitaire les longues coursives désertées après la fermeture au public, et de se croire pour quelques instants seul maître à bord…

Le dimanche, dernière ligne droite avant la présentation au public ; les détails techniques nous préoccupent, nous avons peut-être visé trop haut… mais, en se serrant les coudes et en rusant un peu, nous parvenons à proposer un prototype presque conforme à ce que nous avions imaginé. En manque de temps pour les derniers réglages, nous ne pouvons pas diffuser les odeurs? Qu’à cela ne tienne, je distribue des « mouillettes » imbibées de parfum à un public qui se prête volontiers à l’exercice… sourire et bagout feront le reste. Cette dernière partie est toujours ma favorite, celle où il m’est possible d’échanger avec les visiteurs, celle où le discours pallie les inévitables défaillances techniques, celle enfin où (presque) toute l’équipe se regroupe dans la satisfaction d’avoir produit quelque chose ensemble. Les inconnus sont devenus des nouveaux contacts, et les savoirs, infusés au creuset de la  création collective, en sont ressortis renforcés.

Les journées sont longues dans un marathon créatif comme Museomix, lorsqu’on travaille au service d’un projet commun, élaboré de toutes pièces en moins de 72 heures. Elles ne sont pas non plus, la fatigue aidant, exemptes de tensions. Et pourtant, qu’ils m’ont paru courts, ces trois jours!

Sous le ciel de la Côte d’Azur, savourant mon déjeuner lovée dans un transat, au cœur d’un jardin peuplé d’essences introuvables sous d’autres climats, partageant ces instants fugaces avec d’autres passionnés animés par les mêmes envies, au service des musées et des établissements culturels en France et à l’étranger, j’ai senti avec force pourquoi j’ai raison de faire ce que je fais. J’ai éprouvé de la fierté pour ce que nous avions accompli ; mais aussi, et surtout, un immense plaisir à l’idée de tout ce qu’il reste à faire.

Le bonheur

Un immense merci et un bravo encore plus grand à la communauté Museomix partout dans le monde, et surtout, bien sûr, aux membres de Museomix Azur pour l’organisation au top. Merci au Musée International de la Parfumerie de Grasse qui a accepté d’ouvrir ses portes et ses ressources aux museomixeurs, du 11 au 13 novembre 2016. Merci à l’équipe (passionnée et passionnante) du musée, et à tous ceux qui ont collaboré pour faire de cet évènement une belle réussite ; enfin, un remerciement tout spécial pour les parfumeuses qui ont partagé ces trois jours avec nous et qui m’ont permis d’entrevoir toute la richesse de leur univers.

Je n’oublierai pas ces rencontres.

Merci

[Pour en apprendre plus sur l’aventure Museomix, rendez-vous ici.]

Le Retour du Rat.

Voilà bien longtemps que je n’avais plus mis les pattes ici!

Beaucoup de travail, des projets personnels dont certains ont abouti, d’autres pas (encore)… un manque de temps certain, mais aussi une baisse de créativité et d’énergie en général… voilà certains des facteurs qui m’ont tenu éloignée du blog ces derniers temps.

Loin de moi, pourtant, l’idée de me justifier ; cet espace – mon espace -, évolue au gré de mes visites culturelles, mais aussi de mes envies. Parfois, j’ai besoin de ce retour sur expérience, qui prolonge et enrichit ma visite, dans un esprit de partage. Parfois, je n’éprouve pas le besoin de me jeter sur mon clavier après une visite, préférant savourer les instants passés au cœur d’un lieu d’exception ou au contact d’un artiste que j’admire.

C’est ainsi, et pour l’heure, cela me convient parfaitement.

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Creativity loading…

Merci à mes lecteurs de m’avoir attendue patiemment… je reviens très prochainement! Au programme : mon expérience Museomix 2016 au Musée International de la Parfumerie de Grasse, ma visite de la fondation Miró à Palma de Majorque et mes toutes prochaines découvertes parisiennes!

À la pointe de la mode!

Le Rat de Musée n’est pas une bête de mode, loin de là… disons que je m’habille toujours de la manière la plus pratique possible, à l’exception des occasions spéciales durant lesquelles, juchée sur mes talons, je m’efforce de garder l’équilibre! 🙂

Pour autant, l’histoire du costume m’a toujours fascinée ; et cela faisait plusieurs années déjà que j’attendais de découvrir le musée dédié aux pièces les plus surprenantes et les plus intéressantes des collections françaises : le palais Galliera. Située dans le 16ème arrondissement de Paris, cette bâtisse de style néo-Renaissance, tout en colonnes et sculptures, dévoile sa façade au milieu d’un square joliment fleuri, à deux pas du palais de Tokyo.

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Ce musée a été construit à la fin du 19ème siècle à la demande de la duchesse Galliera, qui souhaitait faire don à l’État français de sa riche collection d’art. Suite à une erreur de rédaction dans les papiers de donation, le palais fut légué à la ville de Paris, ce qui contraria fortement la riche duchesse… qui préféra alors confier sa collection au Palazzo Rosso de Gênes.  Néanmoins, et malgré le décès de la donatrice en 1888, le bâtiment fut achevé en 1894 ; d’abord musée de l’Art Industriel, puis salle d’exposition et de ventes, ce n’est qu’en 1977 que le lieu devint musée de la Mode et du Costume de la Ville de Paris. Ses collections (plus de 243 000 costumes et accessoires!) ne peuvent être présentées que ponctuellement, en raison de la fragilité des pièces. Ce n’est donc qu’à l’occasion des expositions temporaires régulièrement organisées que les costumes ont à nouveau l’opportunité de briller sous les projecteurs (briller étant tout à fait relatif, car l’éclairage très tamisé est étudié pour occasionner aussi peu de dommages que possible). En ce moment, et jusqu’au mois d’octobre, c’est à l’étude de l’Anatomie d’une collection que nous convie le musée…

L’exposition est brillamment conçue comme un voyage entre les époques, entre pièces fabuleuses portées par les plus grandes actrices et simples costumes de serviteur ou même de forçat!

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Le contraste entre atours somptueux et guenilles aux émouvantes reprises fonctionne à merveille, et on se surprend à s’attarder sur un tablier de bonne plutôt que sur un bonnet de vison, le premier titillant beaucoup plus l’imagination que le second : quelle jeune fille a serré autour de sa taille fine les cordons de ce tablier, un peu défraîchi maintenant, et pour aller servir quels maîtres? Les cartels, sans être exemplaires, apportent quelques informations utiles, notamment en ce qui concerne les vêtements historiques : petite chemise blanche brodée d’une minuscule couronne rouge pour le Dauphin, futur prisonnier du Temple, gilet de Napoléon ou extraordinaire manchon en plumes de la princesse Mathilde. Les quelques paires de chaussures disséminées au fil de l’exposition surprennent particulièrement par leur taille minuscule et leur étroitesse : des pieds d’enfant y rentreraient à peine aujourd’hui!

Les costumes des actrices et artistes de la Belle Époque m’ont également beaucoup plu : chaque pièce correspondait à merveille à la femme célèbre qui l’arborait, de Sarah Bernhardt à Mistinguett. Une autre salle (et quelques décennies) plus tard, en vraie fan d’Audrey Hepburn, c’est avec émotion que j’ai découvert les tenues spécialement créées pour elle par Givenchy.

Les noms illustres défilent et d’étonnantes créations se révèlent au détour d’une salle : ici une robe de cheveux griffée Maison Margiela, une robe « seins-obus » de chez Jean-Paul Gaultier, et bien sûr l’iconique « chapeau-chaussure » créé par Schiaparelli et Dali pour Gala, épouse et muse de ce dernier.

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Malheureusement (mais pour d’évidentes raisons de conservation), les photos sont interdites dans les quelques salles de présentation des collections ; je n’ai donc eu d’autre choix que d’illustrer cet article avec des clichés extraits du site Internet de la structure, mais aussi du livret « Anatomie d’une collection »… dans lequel j’ai tellement apprécié de retrouver le (très beau) texte d’ouverture de l’exposition que je vous en copie ici quelques extraits :

« Quand les engouements s’éteignent, quand les couturiers ne sont plus que le nom des griffes et des étiquettes qu’ils ont cousues, les écorces nées de leurs rêves demeurent. […] Au musée, les costumes, les vestiaires, les garde-robes ne s’accrochent plus aux portemanteaux de ceux qui les ont possédés. Pourtant, ils conservent la trace indestructible de leur souvenir. L’émotion d’un corps disparu, évanoui, persiste dans le creux des corsages coquillages. Le souffle d’un geste, la mémoire d’un mouvement sont des sédiments plus apparents qu’il n’y paraît. […] Intimes, sauvages, singulières, sans pagination ni mots, ces encyclopédies de l’être, aux feuilles de Nylon ou de soie, envahissent les rayons des réserves. Comme les livres sur la tranche, les vêtements rangés de profil font des placards et des dressings les bibliothèques romanesques dont les musées de mode sont les reliures en tissu. » (Olivier Saillard)

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Et vous, avez-vous déjà visité le palais de la Mode?

Quels créateurs vous inspirent?

Et pensez-vous, vous aussi, qu’un vêtement garde toujours l’empreinte de son propriétaire?

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